UN HACHA PARA LA LUNA DE MIEL (Mario Bava, 1970)

UN HACHA PARA LA LUNA DE MIEL

AÑO: 1970

PAÍS: ITALIA-ESPAÑA

DIRECCIÓN: MARIO BAVA

PRODUCCIÓN:MANUEL CAÑO

PROTAGONISTAS: STEPHEN FORSYTH, DAGMAR LASSANDER, FEMI BENUSSI, JESÚS PUENTE.

ARGUMENTO:

Un asesino psicótico de jóvenes mujeres que están de novias, decanta su engranaje mental a través de un feroz relato en primera persona que explica, en parte, sus motivaciones y decora el mundo humano en el que se mueve.

COMENTARIO:

Durante la década de los sesenta, Mario Bava, había dado a luz una serie de filmes revolucionarios en lo que respecta el cine de terror y suspense. Atrás había quedado el mecánico y preciso modo de narrar de Hitchcock, ya que Bava le había otorgado al género una atractiva paleta de colores psicológicos y formas nuevas de llevar a la pantalla grande una película; movimientos de cámara sugerentes, estimulantes y alucinógenos. El director italiano le dio altura surrealista a historias que no habrían pasado de narraciones lógicas en manos de cualquier otro cineasta que no hubiese aportado nada. Tenemos que su primera gran obra fue LA MASCARA DEL DEMONIO, con tintes expresionistas, ambiente y ritmo en el decantamiento de la historia. Luego muchos concuerdan con mencionar SEIS MUJERES PARA EL ASESINO (1964)(quizá por ser el primer giallo de la historia) y OPERAZIONE PAURA (1967) por la consolidación de un sello fílmico. Tras esa década, surgieron cineastas como Dario Argento que tomarían la posta del género pero sería Bava quien daría un nuevo golpe de timón con la película UN HACHA PARA LA LUNA DE MIEL, un giallo desconocido y despreciado pero para mi, un film de calidad y donde Bava hace gala de toda su potencia visual (por algo fue un connotado director de fotografía) y su forma, para entonces, original de estructurar el largometraje.

Vamos por parte, tenemos un giallo en el que de un inicio de devela quien es el asesino (este fue el gran motivo por el que muchos seguidores del cineasta y del género se rebelaron en contra de la obra), es aquí donde Bava construye un relato que transcurre el la psiquis del protagonista, mostrando su mundo interno y sus obsesiones. Es plasmar en imágenes la rica variedad de alucinaciones visuales y sensoriales que desfilan en la mente de un esquizofrénico. Asesina, una y otra vez, sin piedad, pero con un cuidado estilo. Todo apunta a que las mujeres jóvenes que están de novias gatillan en él una puerta exploratoria al universo enfermizo que le causa placer y dolor (traumas y obsesiones). Si a eso sumamos la presencia de una esposa sesgada y manipuladora y de un policia acertivo pero estúpido, tenemos un cuadro sinuoso en el que se mueve nuestro protagonista. Las interpretaciones son muy buenas, así como la fotografía y la edición, con altas dosis de suspenso a pesar de los años. Vale también destacar la música y los efectos sonoros en algunas escenas. Quizá el guión presenta ciertos puntos bajos como la subyugación de la historia personal del protagonista a una historia de fantasmas con momentos que podían haber sido mejores, pero ello no pasa más que a un segundo plano de lo realmente rescatable de la película. Además Bava hace un paralelo sobre la violencia en la ficción y realidad, tomando para eso un film de su autoría como es LAS TRES CARAS DEL MIEDO de 1963. Es un análisis despojado de cualquier sorna grave, donde se ve la evolución del cine de terror y suspenso de una década a otra.

Película imprescindible para los que gozan con Mario Bava como para los amantes del terror, ya que se darán cuenta del aporte de este cineasta italiano al género (sobre todo a los subproductos de psycokiller que más tarde ahondaría con BAHÍA DE SANGRE (1971) y que darían pie a filmes como HALLOWEEN, LA SERIE DE MARTES 13 y otras de asesinos seriales.

Una joya a descubrir del maestro.

THE MIDNIGHT MEAT TRAIN (Ryuhei Kitamura, 2008)

THE MIDNIGHT MEAT TRAIN

AÑO:2008

PAÍS:Estados Unidos

DIRECCIÓN: Ryuhei Kitamura
PRODUCCIÓN: Lakeshore Entertaintment

PROTAGONISTAS: Bradley Cooper, Brooke Shields, Vinnie Jones, Leslie Bibb.

ARGUMENTO:

Un fotógrafo cuya motivación es exponer en una importante galería de arte, busca una motivación especial para dar un sello personal a su trabajo. A través de imágenes de corte social pretende retratar la esencia del ser humano en la gran urbe. Todo va bien, hasta que conoce a un asesino en serie que esconde un macabro mundo que lo va seduciendo.

COMENTARIO:

Esta película de cine fantástico de terror es una clara muestra de que con recursos y una buena historia (esta basada en un relato de Clive Baker), no siempre los resultados llegan a ser del todo satisfactorios. La historia del film posee en su núcleo, un potencial de horror y suspenso que bien manejado y dirigido hubiera dado a luz un largometraje clásico y de culto. Pero que tenemos, un guión que desecha todo lo anterior y cae en colocar una puesta en escena muy comercial y básica, además de no aprovechar la truculencia siniestra pero humana de ambos personajes principales (el fotógrafo y el asesino). Al contrario, este director de origen japonés nos presenta una película más cercana a la fábula surrealista, que no es malo, pero hace del film un producto demasiado liviano y del montón.

Creo, con firmeza, que esta peli daba para mucho más. Los personajes, en sí, son recipientes de los fluidos más infames y bajos del ser humano y se deleitan con ello. Se mueven como peces en el río. Ese mundo interno debió proyectarse en la estética del film, utilizando una fotografía más de contrastes luminosos, sacando partido a la oscuridad como el Dios que todos llevamos en la mente.

También el relato de Baker tiene un marcado acento en lo social, sin lugar a dudas que este ámbito es la etiqueta de presentación de aquellos karmas que son los que, en definitiva, se vuelven los rostros que exponemos y en que nos reflejamos.

Después de visionar la película me recordé de todo los rincones más demenciales que personalmente guardo en mi interior. No estoy hablando de ser psicópatas en potencia, pero con sinceridad, cada una de las personas que nos movemos en este gigantesco acuario llamado mundo, tenemos a nuestra disposición diaria, una serie de estímulos, validos o no, que nos excitan conciente o inconcientemente, las neuronas negras.

Para hacer un pequeño resumen, una película correcta en su propuesta de entretener (hasta cierto punto), un desarrollo a prueba de idiotas y un climax y descenlace que se desinfla como los globos de cumpleaños al final de la fiesta; gore desperdiciado y escasos golpes de suspenso, más bien mecanizados.

Sé que el cine en el fondo o mejor dicho, en la forma es una industria cuyo principal objetivo es entretener, pero por favor no transformen este precepto en una burla hacia los que esperamos más en estos tiempos. Ahora me explico porque, mientras más cine fantástico moderno veo, más extraño el pasado. ¿O SERÁ QUE ME ESTOY VOLVIENDO VIEJO?...

ROJO SANGRE (Christian Molina, 2004)

ROJO SANGRE

AÑO: 2004

PAÍS: ESPAÑA

DIRECCIÓN: CHRISTIAN MOLINA

PRODUCCIÓN: FERRÁN MONJE

PROTAGONISTAS: PAUL NASCHY, MEHN-WAI, MIGUEL DEL ARCO, BIBI FERNÁNDEZ

ARGUMENTO:

Un viejo actor en la miseria ve como sus días de gloria y éxito han terminado y busca con desesperación un trabajo que lo ayude a sobrevivir. Inexorablemente se le irán cerrando puertas y las humillaciones diarias, además del dolor de la perdida de su única hija, lo llevarán a un escenario surrealista cuando consiga trabajo de hombre-personajes en un club de putas de elite.

COMENTARIO:

Paul Naschy es como lo he mencionado en comentarios anteriores, un actor, productor y director español de cine fantastico de terror que embruja... han pasado los años, los filmes, desde LA MARCA DEL HOMBRE LOBO, pasando por EL JOROBADO DE LA MORGUE, INQUISICIÓN, LOS OJOS AZULES DE LA MUÑECA ROTA, EL CARNAVAL DE LAS BESTIAS, LA NOCHE DE WALPURGIS... y, entérminos generales, Naschy lo ha interpretado todo, con altos y bajos... hasta ahora, hasta esta película de Christian Molina rodada en 2004, escrita por el mismo e interpretada con un dominio y experiencia notables.

la historia de la película va así: un viejo y decadente actor llamado Pablo Thevenet (de gran trayectoria) deambula de casting en casting para sobrevivir, suplicando por miseros papeles que lo hagan sentir todavía que es considerado y reconocido. Lamentablemente lo único que recibe son burlas, humillaciones y un lugar de el olvido por parte de todos quienes dominan los medios de comunicación (crítica a parte). Cansado y deprimido (además carga con la pena de la muerte poco clara de su hija), encuentra un trabajillo como hombre-personaje en un prostíbulo para tipos con dinero. Las idea es estar una vez por semana en la entrada del lugar, personificando a diferentes personajes como Ivan El Terrible, Gilles de Rains o Jack el Destripador.

La creciente angustia, sumado a su entrada oficial e inconciente al mundo del mal, gatillarán toda su furia en contra de quienes manejan lo que vemos, personajes extraños que desfilan en submundos latentes pero ignorados... ROJO SANGRE es un film jugado y entretenido, tal vez el final tambalea en demasía y se pierde el hilo conductor que se plantea al principio, pero dejándose de consideraciones más o menos, ES UNA PELÍCULA RECOMENDABLE, mucho más que esa porquería fomedad de MUCHA SANGRE que rodó un par de años antes.

Para los fans de Paul Naschy es IMPERDIBLE, para los fanáticos del cine fantastico de terror es UN PUNTO A FAVOR y para el público en general es UNA LOCURA llena de excesos que no decepciona si se busca entretención y emociones fuertes.

ROJO SANGRE es casi un resumen bufonesco de la carrera de Paul Naschy, quien no tiene reparos en reirse de sí mismo y del género que lo hizo famoso. Quiza la impronta muy marcada de efectos especiales, decaen ciertos momentos de la película, así como algunos papeles sobreactuados, pero está bien... en la imperfección hay joyitas que son como bocanadas de aire para el que se ahoga.

El personaje central me recordó mucho a aquellos ancianos que no se cansan de revivir sus historias, que con el correr del tiempo parecen añejas, pero que siempre guardan un sentido fresco de experiencia universal... y de esos conocí algunos... como mi abuelo Leoncio San Martín.

¿QUE HABEIS HECHO CON SOLANGE? (Massimo Dallamano, 1972)

¿QUE HABEIS HECHO CON SOLANGE?

AÑO: 1972

PAÍS: ITALIA

DIRECCIÓN: MASSIMO DALLAMANO

PRODUCCIÓN: HORST WENDLANDT

PROTAGONISTAS: FABIO TESTI, CRISTINA GALBO, GUNTHER STOLL, KARIN BAAL.

ARGUMENTO:

Una serie de muertes se empiezan a suceder en torno a un colegio-internado de señoritas y las sospechas recaen en uno de los profesores del lugar por tener una relación amorosa con una de las jóvenes.

COMENTARIO:

Apariencias; sensaciones; mundo lógico; juventud (espacio de tiempo material o psicológico); ¿QUÉ HABEIS HECHO CON SOLANGE?, un título curioso para uno de los giallos más representativos de la década de los setenta (subgénero italiano del cine de suspenso, caracterizado por el cuidado tratamiento visual, de trama policiaca y donde existen muertes crudas y explicitas). Este giallo en particular, del director y fotógrafo Massimo Dallamano, es soberbio, no existe otro calificativo para tamaña película. Un guión preciso y precioso, actuaciones sobresalientes y una música a cargo de Ennio Morricone que deja tiritones de pera y una nostalgia anidada en el corazón.

Ante todo estamos en presencia de una película cuya historia se decanta en los asesinatos de jóvenes niñas internas en un colegio de guardada disciplina moral y valórica, que acontecen en los alrededores de la ciudad. Por casualidad, uno de estos crímenes es observado por una pareja que también tiene algo que ocultar, ya que se trata de una de las niñas y un profesor casado. Obligados por las circunstancias a silenciar el hecho, no tardarán en verse envueltos en una trama que va tomando ribetes de tragedia dramática que inevitablemente golpeará a todos los participantes de la trama (jóvenes y adultos).

El film va más allá de la estructura del giallo, puesto que juega con las emociones humanas más profundas. Como en nuestro diario vivir, todo cuanto nos rodea parece expuesto, pero creo, con firmeza, que el verdadero mundo, si es que existe, es el que permanece en la oscuridad, oculto, dentro de una infinidad de nichos y tumbas donde sólo llegan los ecos de unas cuantas luchas infructuosas por el éxito y notoriedad. Así es queridos lectores de FANTASMATADERO, este largometraje no debe ser considerado como una "película más"... sería un gran error, no visionar ¿QUE HABEIS HECHO CON SOLANGE? es INEXCUSABLE. Sin lugar a dudas, es una de las mejores películas de la historia del cine de suspenso y fantaterror.

No me quiero rendir a detallar escena por escena, ya que revelaría buena parte de la fluidez del guión pero si debo mencionar (para que coloquen ojo) en la secuencia del primer crimen, en un flashback notable, en la aparición de SOLANGE y su fantasmal interpretación, en los momentos de crítica a los sistemas rígidos de nuestra estructura social, en cuanto a qué pensar, sentir y hacer, sobre todo en temas valóricos-religiosos, en los que la guerra entre LO BUENO Y MALO es pan de cada día, en fin, UN APLAUSO DE PIE PARA ESTE DESCONOCIDO FILM, que me ha encontrado en el momento justo de mi vida...a la que le pregunto ¿QUE HABEIS HECHO CON ARNOLDO?...

NEKROMANTIK (Jorg Buttgereit, 1987)

NEKROMANTIK

AÑO: 1987

PAÍS: Alemania

DIRECCIÓN: Jorge Buttgereit

PRODUCCIÓN: Manfred O. Jelinski

PROTAGONISTAS: Daktari Lorenz, Beatrice Manowski, Harald Lunt

ARGUMENTO:

Una pareja de jóvenes, en la Alemania de los ochenta, dan rienda suelta a su perversión necrofílica con los restos humanos que el protagonista Rob trae al departamento que comparte con su novia Betty. La situación se agravará cuando llegue con un cadáver entero.

COMENTARIO:

NEKROMANTIK es una película que atemoriza en una primera instancia. El sólo hecho de observar su carátula provoca cierta incomodidad en las personas que la ven. Frente a esto, debo decir que su director Jorg Buttgereit y su productor Manfred O. Jelinski, elaboraron este film adrede, o sea para provocar a destajo. Llegaron a la conclusión que la mejor publicidad era la de presentar la película como transgresora y salvaje. Fuera de los problemas legales que tuvieron en su país y en diversos países del mundo, reconozco que lograron su objetivo, ya que NEKROMANTIK no es fácil de digerir, la historia dista de ser un largometraje de terror (los que crean esto se decepcionarán) o una obra gore donde sólo importe la sangre (cosa que sucede en su compatriota Andreas Schnaas), a mis ojos, NEKROMANTIK fue y es una película que relata una historia de dolor, de mostrarnos que en la vida nada es azar, sino que la cronología de un ser humano está determinada con fuerza por lo que ha vivido y con mayor potencia, por su infancia. Esta peli alemana es un poema levantado con palabras vulgares y apuñaladoras, pero acaso ¿las palabras no obedecen a la connotación que se les de?, es decir, tenemos que la poesía no se compone de palabras uniformes, sino más bien de acciones y emociones. Los mejores versos son aquellos con infinitas traducciones. Hago esta salvedad, porque NEKROMANTIK no se queda en la degeneración mental de los protagonistas, sino que devela al trauma infantil como motor de cada acción y abre la posibilidad para que cada espectador otorgue su personal traducción de lo que está viendo.

Rob y Betty son productos de seres irresponsables e irrespetuosos de la vida y muerte, así como de una sociedad donde su real verdad es subterránea. Han sembrado en ambos y la cosecha no puede ser otra que la elaboración de sus propios parámetros, sin espacio a consideraciones morales o valóricas. Rob y Betty son dos seres humanos con un marcado gusto por la necrofilia, acto que realizan en la intimidad de su departamento (metáfora carnal), y vale, ESO NO ES MALO; lo malo es juzgar... estar haciendo balances a cada momento. Para mi, la vida fluye y cada acción debiera ser la busqueda del placer... es por ello que los protagonistas de NEKROMANTIK no son villanos, pero tampoco héroes, son adictos, como todos, a la tendencia conciente o inconciente del placer... mal llamada felicidad (término de connotación utópica "lucha pero jamás la alcanzarás")...

En cuanto al trabajo propiamente tal de Buttgereit, debo destacar la música y esa fotografía gastada y de baja producción que le dan a la película un marco lúgubre y angustiante. El guión es algo lento, pero como no es larga, está correcto. Claro que hay escenas que están demás y se nota que son producto de algo de desenfreno provocador... los efectos especiales son "malos", algunos se salvan pero en la mayoría de los casos son muy precarios. Pero para mi, eso pasa a segundo plano, aun cuando se debilita la obra final.

Hay que atreverse y verla. Es RECOMENDABLE POR LO JUGADA. Aunque tiene algunos momentos en los que se muestra violencia real en contra de algún animal, por lo que las personas demasiado suceptibles, ABSTENERSE.

NEKROMANTIK tuvo además una segunda parte en 1990, de mejor calidad técnica y de guión; pero ambas son una sola, una obra que invita a sumergirse y volar en las más despiadadas perversiones que todos experimentamos... y para que estamos con cosas, DE PERVERSIONES PLACENTERAS ESTA HECHA LA VIDA Y LA MUERTE...

EL CARNAVAL DE LAS BESTIAS (Jacinto Molina, 1980)

EL CARNAVAL DE LAS BESTIAS

AÑO: 1980
PAÍS: ESPAÑA
DIRECCIÓN: JACINTO MOLINA ALVAREZ
PRODUCCIÓN: JACINTO MOLINA, MASURAO TAKEDA
PROTAGONISTAS: PAUL NASCHY, SILVIA AGUILAR, EIKO NAGASHIMA, AZUCENA HERNÁNDEZ, LAUTARO MURÚA.


ARGUMENTO:

Un delincuente internacional es contactado por una banda japonesa para el negocio del tráfico de diamantes. A poco andar inicia una relación sentimental con la hermana del líder y posteriormente los traiciona, desatándose una cacería en su contra.

COMENTARIO:

Para ser honesto, las espectativas que me hice antes de ver esta película fueron muchas. Primero porque ya había recorrido una cantidad estimable de cintas de Paul Naschy y sabía a lo que me enfrentaría. Segundo, porque a pesar de que este actor, productor y director tiene de dulce y agraz en su filmografía, las películas que considero buenas, se han vuelto favoritas; no sé que es lo que tiene Paul Naschy o Jacinto Molina, pero el embrujo que despierta su presencia en pantalla es notable y pocas veces experimentado por mi. Como tercer y último factor, está el hecho que dentro de toda la gama de cine que he visionado en mi vida (que ha sido mucha), el cine fantástico español e italiano ocupan un sitial importante.

Bueno, pero refiriendome al film en cuestión, debo señalar que EL CARNAVAL DE LAS BESTIAS es una muy buena película. El argumento, sin hilar fino, toma referencias de películas anteriores de terror fantástico (psico-killers y caníbales), pero Paul Naschy le da un toque magistral con una dirección sólida, privilegiando la correcta narración fílmica, por sobre la oportunidad de arrancarse con voladas que habrían estado a la orden del día en manos de algún novel cineasta con deseos de "ser original". NO, Naschy se dedica a contarnos una historia que mezcla diferentes temas como las mafías, los fantasmas y los asesinos, en escenarios austeros y marginales, con el sentido de entretener con calidad.

La historia nos muestra a Bruno (Naschy) un delincuente internacional que se involucra con la mafia japonesa en el tráfico de diamantes. Hasta aquí todo normal, pero a Bruno no le parece nada mejor, iniciar una relación sentimental con la hermana del líder. Más encima los traiciona y se arranca con una buen cargamento de joyas. Es ahí donde la mafia lo persigue hasta España, con el vivo sentimiento de VENGANZA por la traición comercial y afectiva, terminando todo en una campal correría de balas de ametralladoras en medio de un bosque y paraje rocoso.

Tras esa genial secuencia, Bruno se interna en algo mucho más aterrador, inconciente y medio muerto, es recogido por una familia (un padre "equilibrado" y sus dos hijas "llenas de pasión por la carne") de apariencia gentil pero muy sospechosa, la que lo cuida con dedicación... En medio hay una criada negra muy sexual que tendrá un rol que no hay que perder de vista. Mucho morbo, escenas subidas de tono, revueltas con violencia en estado salvaje. No olvidar la música que compone una banda sonora aceptable y no pasa desapercibida.

EL CARNAVAL DE LAS BESTIAS es un film donde el laberinto que se le presenta a Bruno (Naschy) es infinito y nada es descartable en medio de la jauría más amenazante: LOS SERES HUMANOS.

LAS TRES CARAS DEL MIEDO (Mario Bava,1963)

LAS TRES CARAS DEL MIEDO


AÑO: 1963
PAÍS: ITALIA-FRANCIA
DIRECCIÓN: MARIO BAVA
PRODUCCIÓN: GALATEA FILM, EMMEPI, LYRE FILM
PROTAGONISTAS: BORIS KARLOFF, MICHELE MERCIER, LYDIA ALFONSI, MARK DAMON.



ARGUMENTO:

TRES historias “construyen” la película:
-Una mujer es acosada por una extraña voz a través del teléfono, haciendo que la situación vaya creciendo en tensión.
-Una familia rusa recibe a su padre, tras cinco días perdido en las montañas, quien trae consigo la muerte a su paso.
-Una enfermera es presa de la codicia y trata de burlar a la muerte.



COMENTARIO:


LAS TRES CARAS DEL MIEDO es una gran película. Su director, el italiano Mario Bava, nos entrega de manera soberbia tres relatos sobre los temores que cual fantasmas acosan nuestras vidas. La muerte ya no es tragedia, es simplemente el punto final a una existencia llena de sombras, altas, movedizas y punzantes. Por más que queramos asirnos a “los momentos felices” (que es lo único importante) es ineludible el afán oculto y misterioso de la muerte sobre nuestras cabezas; a veces se puede presentar como un acecho violento (EL TELÉFONO, primer relato), como un paradigma trascendental que choquea nuestra parte psico-afectiva, al transformar el amor o los sentimientos nobles en armas de doble filo, que posteriormente se vuelven navajas que van arando nuestra piel… con surcos profundos… nidos de intranquilidad que cubrimos con lo que esté a nuestro alcance (LOS WURDALAK, segundo relato) o cual conciencia juzgadora que revuelca nuestros “valores” para sancionar la vida… (LA GOTA DE AGUA, tercer relato).
Mario Bava confirma su grandeza y potencia al filmar esta película, estructurada en esas tres historias con una fuerza visual pocas veces vistas. Su mano como director es la de un tipo que sabe lo que quiere, que no filma por filmar, en su cine no existen las “tomas relleno” como en muchos directores de cine de terror fantástico. Su pasado como director de fotografía lo deja de manifiesto con un cuidado sentido de la iluminación y la utilización de una elevada paleta de colores que van dejando en claro el sentido onírico de sus pinceladas. Los decorados son muy bien aprovechados, tanto interiores como exteriores; Bava maneja como nadie la cámara en movimiento, la imagen sugerente y estimulante. LAS TRES CARAS DEL MIEDO es una película algo olvidada dentro de la filmografía de este maestro italiano, pero yo la revindico como una de las más importantes de su carrera, ya que es un largometraje estructurado en escalera, vale decir, el golpe de placer va acrecentándose según pasan los relatos.
Hay otras obras de Bava que vale mencionar, como LA MASCARA DEL DEMONIO (película seductora), OPERAZIONE PAURA (buena, aunque con algunos vaivenes, y con momentos muy logrados), BAHÍA DE SANGRE (película algo atípica dentro de su cine de los sesenta, pero destacable por su desarrollo en las tramas de psico-killers) y SHOCK (último film de Bava, con una trama de nivel que pudo tener un final más contundente).
Hay que destacar la solidez del reparto, dentro de los que figura Boris Karloff, aquel actor ícono del cine de fantaterror con su interpretación del legendario Frankenstein. Además de aparecer en el segundo relato, Karloff hace las veces de presentador de la película, con una entretenida introducción y un mejor epílogo.
Por todo ello, es que LAS TRES CARAS DEL MIEDO debe ocupar el sitial que merece, como referente a un sin número de películas taquilleras del género como SCREAM, EL JUEGO DEL MIEDO, EL ARO y volcanadas de filmes sobre vampiros. Tal vez, la gran crítica que se le pueda hacer es el claro desapego de una historia con otra, dejando un vacío entre ellas, pero fuera de eso, cada historia es un tesoro fílmico de su tiempo, de visionado obligado para los amantes del suspenso y terror. En último de los casos, nuestra vida también está marcada por momentos disímiles y no por ello deja de ser nuestra vida, con sus defectos, pero sobre todo sus virtudes.

REPULSIÓN (Roman Polanski, 1965)

REPULSIÓN

AÑO: 1965
PAÍS: FRANCIA
DIRECCIÓN: ROMAN POLANSKI
PRODUCCIÓN: COLUMBIA PICTURES
PROTAGONISTAS: CATHERINE DENEUVE, IAN HENDRY, PATRICK WYMARK, YVONNE FURNEAUX.

ARGUMENTO:

Una joven francesa que trabaja en un salón de belleza y vive en el departamento de su hermana, comienza a tener cambios psicológicos profundos, luego de quedarse sola durante dos semanas, por las vacaciones de la hermana.



COMENTARIO:


Me encantan, para ser sincero, me fascinan los espectros solitarios, esos que por fuera, a pesar de su simpleza aparente, no representan menos que los que aparatosamente buscan desaforados mostrarse de tal o cual forma. Amo a los que llevan consigo esa entrada secreta a mundos de éxtasis con cápsulas orgásmicas, escenarios fantásticos que no encontraremos en libros, revistas, obras de teatros, fotografías, televisión, paseos por centros comerciales aglomerados de cabezas, Internet o películas… Vale, una pequeña excepción, una grande en realidad, estoy hablando de la sensación que sentí en 1995 cuando tuve la oportunidad de visionar el filme REPULSIÓN (1965) de Roman Polanski. Tal vez, una película olvidada dentro de la filmografía de este reconocido autor, por obras como EL PIANISTA, BUSQUEDA FRENETICA, BARRIO CHINO, LA NOVENA PUERTA, entre otras. Lo revisé una tarde sin clases en la Universidad, en la habitación de una tía donde pagaba pensión. Les digo que quedé maravillado, fue un verdadero placer el tener el privilegio de gozar de la esquizofrenia decadente y progresiva de la protagonista encarnada por la estupenda Catherine Deneuve. Una mujer llamada Carol, con un empleo rutinario (manicurista) en un prestigioso salón de belleza, deambula por las calles parisinas abstraída de todo y todos, con un tipo idiota (ingenuo y dulzón) que la revolotea y pretende, sin encontrar manera de enamorarla. Además, Carol vive en el departamento de su hermana, la que recibe las constantes visitas de su novio Michael (que la tiene de amante), un hombre simplón y egoísta.
El drama comienza a tomar tintes potentes cuando Carol se queda sola en el departamento durante dos semanas, a raíz de las vacaciones que toma la hermana y su novio. Tras ser despedida de su trabajo por cortarle un dedo a una clienta con el cortaúñas, la personalidad retraída de Carol da paso a un comportamiento hostil y lleno de alucinaciones psicológicas. Cada día que transcurre es un escalón más hacia el abismo mental de la protagonista. Golpes y pasos inexplicables, luces en la habitación contigua, violaciones sólo con el silencio del reloj y su tic tac infernal dentro de la mente de Carol, llamadas telefónicas (el timbre del teléfono pone los nervios de punta) y encuentro con personajes cuya sola presencia gatilla en Carol una reacción agresiva (cuando la visita su enamorado y cuando va el dueño del departamento a cobrar el alquiler).
El guión escrito por el propio Polanski demuestra a un director de pulso firme, que aprovechó todas las posibilidades psicológicas de filmar en locaciones reducidas utilizando planos cerrados y claustrofóbicos. La fotografía en blanco y negro, le dan una connotación angustiante al mundo de esta mujer cuyo estado de silencio mental la catapulta a instantes oníricos deliciosos. Buena utilización de la música y mejor aún la interpretación de Catherine Deneuve. Se nota que Polanski le sabe sacar trote.
Después de visionarla ese año, la volví a ver ahora en 2008; los resultados, con un gusto más exquisito en el paladar…terror y drama todo en una mezcla perfecta, por ello es que yo digo, Polanski es un buen director, pero fue un excelente talento… se echa de menos la pasión, como por ejemplo de CUCHILLO EN EL AGUA, CUL DEL SAC Y EL BEBE DE ROSEMARY. Bueno, PERO LO que nos reúne: REPULSIÓN ¡UNA OBRA MAESTRA!

EL TOPO (Alejandro Jodorowsky, 1970)

EL TOPO


AÑO: 1970
PAÍS: MÉXICO
DIRECCIÓN: ALEJANDRO JODOROWSKY
PRODUCCIÓN: JUAN L. MOCTEZUMA, MOSHE ROSEMBERG, ROBERTO VISKIN
PROTAGONISTAS: ALEJANDRO JODOROWSKY
DAVID SILVA
BRONTIS JODOROWSKY
MARA LORENZIO


ARGUMENTO:

Un psicodélico pistolero viaja junto a su pequeño hijo por el oeste mexicano para enfrentar a los cuatro maestros del revolver. En su travesía, se encontrará con una extraña mujer que se le unirá.
Tras años, vuelve a enfrentarse a los fantasmas del pasado pero convertido en un hombre pacífico y sabio.


COMENTARIO:


Mucho se ha escrito sobre este film de Alejandro Jodorowsky. Por un lado se le ha calificado de “western místico”, por otro, de “apología de la violencia”, también se le ha llamado “la biblia de los hippies” o se le ha sindicado como “película de culto surrealista”. Personalmente siento que todo es en parte cierto, sin embargo yo agregaría que EL TOPO es un compendio del pensamiento de su autor, es una forma de ver la vida y la muerte. A la fecha de su realización, Jodorowsky ya tenía un basto camino recorrido en México, luego de quedarse en ese país tras abandonar el grupo teatral francés que lideraba Marcel Marceau que estaba de gira. Este chileno del mundo, se empapó del surrealismo místico de México y a principios de los sesenta, fundó junto a otros artistas el movimiento “PANICO”, que consistía principalmente en la reinvención del surrealismo proveniente de Europa y que tenía como primera referencia las obras del español avecindado en México, Luis Buñuel.
Jodorowsky realizó más de un centenar de obras teatrales efímeras y llevó a cabo un sin número de espectáculos poéticos que revolucionaron el país norteamericano. Hasta que en 1967 adaptó a la pantalla grande la obra “FANDO Y LIS” de su amigo Francisco Arrabal, la que era una fantástica historia de amor, pero no desde un punto de vista romántico, sino que los personajes se presentaban desnudos, con sus traumas de infancia y la evolución de los mismos. Nada más acertado, porque personalmente creo que el amor es el resultado del encuentro de dos mundos, que a su vez, están llenos de otros mundos con sus traumas y experiencias positivas; es así que cuando dos seres se aman, se está amando el mundo entero.
Pasaron 3 años para que Jodorowsky se embarcara en su segundo proyecto fílmico. Este era mucho más ambicioso y era una radiografía de él mismo, de su pensamiento, de su sentir y de su evolución. EL TOPO es una película narcisista pero honesta. Cosa que para mí es primordial a la hora de comentar un film, su honestidad…
Y llegó el primer film de culto del mundo, y la locura que despertó en el mundo hippie, y la admiración de John Lennon, y la consagración de un artista que se cree su cuento. Pero vamos por parte, primero tenemos que EL TOPO es un viaje, un desarrollo espiritual, un salto al vacío con la confianza que el vacío no es accidental. Como segundo punto, cabe destacar que la mayoría de los personajes eran actores desconocidos, sobre todo MARA LORENZIO que fue descubierta por Jodorowsky una vez que llegó a golpear la puerta de su casa pidiendo ayuda (era drogadicta), ella trabajó en el film y nunca más la volvió a ver; y está también uno de sus hijos, Brontis, que a sus siete años recién venía a conocerse y reconocerse con su padre. EL TOPO fue un laboratorio de encuentros para seres humanos en constante búsqueda, pero no aquella búsqueda exitista sino más bien aquella de la que preferentemente huimos, refugiándonos en fachadas de diversa índole. EL TOPO logró lo que se propuso, remecer, con una historia llena de ingredientes distintos, pero que juntos formaban un delicioso plato: violencia interna, violencia externa, traumas, búsqueda, amor, locura, sabiduría, egoísmo… la verdad es que EL TOPO es un film de esos que posee muchas lecturas y es por ello que conserva la frescura de la primera vez, además la dirección de Jodorowsky es de un cineasta que sabe lo que quiere y deja que la historia fluya y no que ésta lo domine tornando la película forzada y rígida. El guión está plagado de escenas potentes y surrealistas que lo hacen estimulante. Con una fotografía que integra el paisaje y le da un rol preponderante en el film. La música es otro cuento, delicada, sugerente, se pasea por todo el largometraje haciendo gala de una energía de experiencia, como estar en presencia de un ser que sin decir ni hacer nada, nos impacta sólo por sentirlo frente nuestro.
EL TOPO fue la segunda película de Jodorowsky y, personalmente, la con mayor fuerza visual y de contenido que lo caracterizó en aquella época. Después vino LA MONTAÑA SAGRADA (1974), que es una cinta inconstante y algo débil, aunque con escenas surrealistas y existenciales que siguen siendo un deleite y su última obra maestra SANTA SANGRE (1989) sobre los traumas psicológicos que se vuelven cadenas que no nos atrevemos a enfrentar...

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ALUCARDA (Juan L. Moctezuma, 1975)

ALUCARDA

AÑO:1975

PAIS: MEXICO
DIRECCIÓN: JUAN LOPEZ MOCTEZUMA
PRODUCCIÓN: YUMA FILMS
PROTAGONISTAS: CLAUDIO BROOK
TINA ROMERO………ALUCARDA
SUSANA KAMINI……JUSTINE
DAVID SILVA


ARGUMENTO:

Dos jóvenes llegan por caminos distintos a un convento de monjas y es allí donde su oscura relación dará paso a un delirante mundo satánico mezclado con aderezos lésbicos y hechicería.


COMENTARIO:


Juan López Moctezuma, discípulo artístico del chileno Alejandro Jodorowsky (FANDO Y LIS (trabajo como productor), EL TOPO, LA MONTAÑA SAGRADA Y SANTA SANGRE) y de su movimiento cultural PANICO, a principios de los años sesenta, nos presenta su segunda película atiborrada de los temas que más lo obsesionaron en su vida y que, de hecho está, lo llevaron a su enajenación y muerte. ALUCARDA, un nombre que me atrajo sin ver ni saber nada de la película, se presentó ante mí como el anagrama que es, mágico e hipnótico. Recuerdo que la primera vez que la vi, fue en una habitación solo, cerca de las tres de la madrugada. Toda una experiencia orgásmica.
Alucarda es un film que propone el encuentro predestinado de los jóvenes en un barroco convento de monjas llenas de vendas sangrantes. Justine es una huérfana que es llevaba desde niña a este lugar surrealista, plagado de cristos siniestros y gigantescos que adornan las paredes y el techo del lugar. Por el azar demoniaco su compañera de pieza es Alucarda, una joven que fue entregada al convento al momento de nacer por un jorobado que más tarde tendría incidencia en sus vidas. La madre de Alucarda fue una bruja ligada a satanás, que al momento del parto fue absorbida por este.
Alucarda cargada con la maldición seducirá a Justine, lo que traerá un desfile de imágenes alucinantes, empapadas de lesbianismo, pactos satánicos, blasfemias, curas y monjas impotentes, aquelarres nudistas, en fin, todo llevado a la pantalla con sumo cuidado por Moctezuma, a través de una puesta en escena potente, surrealista, con una fotografía de colores fuertes que invitan a perderse en el mundo de ALUCARDA. El manejo de cámara es correcto y firme, apuntado a sobresaltar los personajes y sus motivaciones, sin distinción ni censura sobre lo bueno o malo. La música es otro ingrediente fundamental en el cine y en ALUCARDA, se transforma en otro cristo colgado a las paredes imperfectas y sombrías.
Claro está que el paso del tiempo ha desacelerado en parte el impacto del film, pero aun continúa manteniendo el halo de misterio y fascinación, con escenas muy logradas como el pacto con Satán de las jóvenes, la tortura de la iglesia, la impresionante aparición de Justine del ataúd y la furia sin límites de Alucarda sobre el final de la película con la música del fuego… Obra fundamental del cine fantástico mexicano y latinoamericano, cuya temática y puesta en escena ha sido referente para las nuevas generaciones.
La primera obra de Moctezuma fue LA MANSIÓN DE LA LOCURA (1972) y además, dentro de su filmografía ha destacado la película MARY, MARY, BLOODY MARY (1974)(todas en los década de los setenta). Posteriormente realizó un puñado más, pero de menor trascendencia. Claro está que su locura se fue racionalizando…