CRÍA CUERVOS (Carlos Saura, 1975)

CRÍA CUERVOS


AÑO: 1975
PAÍS: ESPAÑA
DIRECCIÓN: CARLOS SAURA
PRODUCCIÓN: ELÍAS QUEREJETA P.C.
PROTAGONISTAS: ANA TORRENT, GERALDINE CHAPLIN, MÓNICA RANDALL, HÉCTOR ALTEIRO, GERMÁN COBOS, MIRTA MILLER, JOSEFINA DÍAZ, CONCHITA PÉREZ, MAYTE SANCHEZ.


ARGUMENTO:

Una joven mujer rememora la muerte de su autoritario padre hace veinte años, la cual se atribuye, y a partir de ese hecho realiza una evocación de su niñez junto a sus dos hermanas y a los recuerdos de su fallecida madre, con la que tenía una relación especial.


COMENTARIO:

Hace muchos años tuve la fortuna de ver esta película del español Carlos Saura. Qué decir, una magnífica obra que marcó el cine hispano de fines de los setenta, coincidentemente con la muerte de Franco en 1975. Ya en la década de los sesenta, Saura me sorprendió con el film La Caza de 1965 sobre un grupo de amigos que iban de cacería y terminaban cazándose ellos mismos. ¡Qué crítica más velada a la dictadura española!, luego le sucedieron pelis de nivel como: LA MADRIGUERA (1969), ANA Y LOS LOBOS (1972), ELISA VIDA MÍA (1977) Y DEPRISA, DEPRISA (1980), luego vendría la década de los ochenta y en medio de musicales y obras menores, Saura iría perdiendo su fuerza y su talento pasional en cada película.
CRÍA CUERVOS es parte de un dicho popular que dice “cría cuervos y te sacarán los ojos”, una metáfora exacta de la visión de vida que tiene la pequeña Ana (papel interpretado con categoría por la actriz Ana Torrent). Luego de 20 años, Ana decide hacer un recuento de su vida y evoca su infancia con su autoritario padre (militar) que tras enviudar no tardó en correr a los brazos de una tía de Ana. La niña, por su parte, no deja de pensar en su madre a la cual cree ve ¿o quizá sí lo hace en realidad? Y proyecta desde sus ojos infantes el sufrimiento y el despotismo de su padre sobre su madre (ella era una amante de la música y el piano era su instrumento preferido, el marido le prohibió dicha afición y no tardó en tacharla de depresiva y loca). Ana idea entonces cómo matar a su padre y lo logra, o al menos eso cree ella.
CRÍA CUERVOS es una peli donde desfilan los traumas de los niños que todos hemos sido y la angustia que ocasionan los periodos de represión y autoritarismo a nuestras ansias de “jugar con el mundo”, en la peli esto se proyecta a través del momento político-social en España. La única vía de escape: LA IMAGINACIÓN Y EL SURREALISMO, LOS LAZOS AFECTIVOS Y LOS RECUERDOS EMOTIVOS… en este film, su protagonista vuela, trae a su presencia a su madre fallecida, comprende el deseo de morir de su abuela muda… Ana vive cuando sueña, cuando está creando… cuando baila al son de la canción “¿Por qué te vas?” de Jeannette, cuando en medio de un desierto no encuentra más compañía que un viejo pozo, sin fondo como su corazón…CRÍA CUERVOS es una película con una dirección correcta, una fotografía oscura y melancólica, y el sostén interpretativo de Geraldine Chaplin y sobre todo de Ana Torrent… ¡qué ojos más expresivos tenía esta actriz!... si me hipnotizaba con esas cuencas oculares perdidas…
LA FALTA DE LIBERTAD CREATIVA LLEVA A UN ESCLAVISMO INVISIBLE Y TORMENTOSO…Y ES AL FINAL DONDE NOS DAMOS CUENTA DE QUE LO ÚNICO IMPORTANTE ES LA HERENCIA AFECTIVA, ES POR ELLO QUE SE BUSCA, QUE SE ESCUDRIÑA, POR TODOS LOS RINCONES DE LA MENTE, A ESAS PERSONAS Y SITUACIONES QUE NOS LAS PROPORCIONARON…AUNQUE SEAN ESCASAS Y DIFUSAS.
Es aquí donde Ana se pierde en el tiempo… y CRÍA CUERVOS pasa a tomar un tinte mágico y amargo…
RECOMENDABLE Y DESTACADA OBRA DE CARLOS SAURA…

RETRATOS DEL MÁS ALLÁ (Masayuki Ochiai, 2008)

RETRATOS DEL MÁS ALLÁ

AÑO: 2008
PAÍS: ESTADOS UNIDOS
DIRECCIÓN: MASAYUKI OCHIAI
PRODUCCIÓN: TAKA ICHISE, ROY LEE, DOUG DAVISON
PROTAGONISTAS: JOSHUA JACKSON, RACHEL TAYLOR, DAVID DENMAN, JAMES KYSON LEE, JOHN HENSLEY.


ARGUMENTO:

Una pareja recién casada viaja a Japón (Tokio) por motivos laborales del novio (Ben), ya que este es un connotado fotógrafo. Una noche, cuando conducen hasta una casa en las montañas, su vida tiene un vuelco total al atropellar a una joven mujer que estaba parada en medio de la ruta. Tras la chocante experiencia, vuelven a la ciudad Tokio y cuando estaban tratando de superar el hecho, unas fotografías tomadas la noche que pasaron en aquella casa alejada, les revelará que el terror está recién comenzando.


COMENTARIO:

Que se puede decir de una película que pertenece al grupo de filmes que Norteamérica va reciclando del oriente en cuanto a pelis de terror sobrenatural se refiere. Una trama simple e idiota, unos protagonistas que son los típicos actores de Hollywood sin talento esperando estelarizar estupideces como esta para arrasar en taquilla y proyectar carreras que finalmente no dejan nada al recuerdo.
Retratos del más allá es la historia de una traición que se vuelve brutal, toda vez que la pobre víctima regresa de la muerte a vengarse de quienes la hirieron. Pero, ¿qué terror va a tener una película llena de clichés narrativos?, donde la inoperancia del director hace que el film se transforme en una tortura para el espectador, donde el ritmo es inexistente y las fórmulas hechas de paquete abundan. Debe ser muy rentable el negocio de la producción de este tipo de engendros ya que no se explica la proliferación en masa y el descarnado consumo de parte de la idiotizada población mundial. Pero si el verdadero terror no se decanta de una fórmula matemática o de una ecuación exacta, la verdadera sensación de inestabilidad o incomodidad llamada terror, aderezada con toques sutiles de de emociones extremas la da una buena mano en la dirección, un guión inteligente y hábil a la hora de tomar riesgos y jugar con todas las posibilidades de una historia, sino original, por lo menos no tan refrita, agregando elementos personales y con un elenco de categoría (ojo no digo de renombre, hablo de calidad).
RETRATOS DEL MÁS ALLÁ es una película imposible de comentar, sin médula ni empatía (los actores son unas mierdas)… ahora me recuerdo de un film español de guerra, no recuerdo el título, pero que lo visioné cuando niño… un desastre y me dije “esta sin duda es la peor película que he visto en mi vida”… se imaginarán porque hice relación con aquel episodio de mi infancia.
PELÍCULA INTRATABLE, MALA Y DEL MONTÓN…SI CREYERON QUE EL SEXTO SENTIDO, EL PROTEGIDO O SEÑALES ERAN UNAS JOYAS, LES DIGO QUE AUN NO HAN VISTO NADA…

FRANKENSTEIN (James Whale, 1931)

FRANKENSTEIN

AÑO: 1931
PAÍS: ESTADOS UNIDOS
DIRECCIÓN: JAMES WHALE
PRODUCCIÓN: CARL LAEMMLE JR.
PROTAGONISTAS: COLIN CLIVE, MAE CLARKE, BORIS KARLOFF, JOHN BOLES.


ARGUMENTO:

Un joven científico (Henry Frankenstein), se recluye en un castillo junto a su jorobado ayudante con el fin de crear vida humana, para lo cual recolecta, en secreto, restos de cadáveres del cementerio. Su novia, preocupada por su lejanía, decide ir a verlo junto al doctor Waldman, que había sido profesor de Henry y a su amigo Víctor Moritz. Al llegar al lugar, son testigos presenciales del nacimiento de un monstruo de aspecto terrorífico sin control.


COMENTARIO:

Estamos ante uno de los filmes más importantes del cine de terror y fantástico. Filmado en 1931, la película está basada en la novela homónima de Mary Shelley (1816) y llevada a la pantalla grande por el director James Whale. Para ser sincero, esta no fue la primer adaptación de la novela, pues en 1910 y 1920 había sido llevada al cine en dos pelis que se perdieron en el tiempo, una de Edison y otra de un italiano llamado Luciano Albertini. Más allá de estas consideraciones debo decir que la película de Whale es una obra maestra, una verdadera joya del cine, ya que reúne todos los ingredientes necesarios que sentaron las bases del cine de terror moderno y que, para la época en que fue filmada, significaron todo un golpe visual de terror, tanto estético como de contenido.
Whale dirige con maestría esta historia simple pero que juega con la gran esencia del ser humano: la vida. Tenemos que un científico que durante años estudió en la facultad, decide dejar el ejercicio “normal” de la profesión y se muda junto a un jorobado sirviente a un castillo gótico alejado de la civilización. Allí da rienda suelta a su obsesión de crear vida humana de la nada, puesto que explica que “yo no le doy vida a algo muerto, ya que jamás ha estado muerto”, sentencia Henry. Recorren el cementerio cercano y roban los cadáveres recientemente sepultados o incluso otros que se han suicidado colgándose. Cuando tienen armado el rompecabezas humano dentro de un laboratorio maravillosamente creado y la noche de tormenta acompaña los propósitos divinos de Henry, aparece su novia junto a un amigo y el doctor que había sido profesor de Henry. Todos presencian el nacimiento de Frankenstein, pero lo que al principio fue motivo de alegría, pronto se volvió terror puro al darse cuenta Henry que su “creación” daba cuenta de su cerebro maligno y desataba su furia en contra de quien se le colocara por delante.
Les prometo que gocé la peli de principio a fin. Los setenta minutos de duración pasan volando, ya que me encontré con un film realizado con mucha pasión y seriedad. Whale crea una atmósfera espeluznante que se trasunta a través del terror y la inquietud de sus protagonistas. Los escenarios de la película, en su mayoría, son cuidadosamente elaborados en estudio, impregnando a la historia de una inquietud que me imagino habrá causado más de algún estrago. Las secuencias del castillo y las finales en el molino son de una maestría que, de verdad, pone los pelos de punta. Tal vez ahora no cause el efecto de aquel entonces, pero les aseguro que provoca una imán el visionarla. El monstruo interpretado por Boris Karloff está perfecto, buen maquillaje y con una agresividad que me emocionó. Lástima que no todos los actores alcanzaron buenos registros, quizá sea esa la gran deficiencia de la película.
Como dije anteriormente, la vida es el eje, la creación, ¿qué tan dioses somos?, ¿por qué la agresividad está en toda creación humana?... sin duda, les confesaré que para mi, la agresividad es una fuente inagotable de creación, pero no la que tiene por concreto la violencia, sino la que se desborda sin objetivos, sin metas, la que nunca está, tan sólo pasa por nosotros y nos zamarrea hasta gritarnos en la cara: ¡A CREAR, QUE ES MEJOR QUE SÓLO CREER!

UNA OBRA MAESTRA…

SWEENEY TODD, EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET (Tim Burton, 2007)

SWEENEY TODD, EL BARBERO DIABÓLICO DE LA CALLE FLEET

AÑO: 2007

PAÍS: ESTADOS UNIDOS

DIRECCIÓN: TIM BURTON

PRODUCCIÓN: DREAMWORKS PICTURES, WARNER BROS. PICTURES

PROTAGONISTAS: JOHNNY DEPP, HELENA BONHAM CARTER, SACHA BARON COHEN, ALAN RICKMAN, TIMOTHY SPALL.

ARGUMENTO:

Un barbero es acusado injustamente por un corrupto juez de un delito que no cometió, por lo que es llevado preso fuera de Inglaterra durante 15 años. En ese tiempo pierde a su mujer y su hija, así como también su cordura, racionalidad y bondad. Al regresar a su país en busca de venganza, volverá a enfundarse en la piel del barbero, bajo el nombre de Sweeney Todd, pero con un marcado gusto por el exceso y la sangre gracias a la ayuda de su mejor amiga: la navaja.

COMENTARIO:

Tim Burton es un caso especial dentro de la cinematografía gringa de los últimos 20 años. Cuando comenzó con las aventuras del fantasma Beeteljuice ya mostraba una mano muy singular dentro del cine fantástico. La mezcla de humor negro, extravagancia, escenarios alucinantes, caracterizaciones mágicas e historias de cuentos con raiz terrorífica dan como saldo a un cineasta con sello particular y obras geniales. También se ha mandado más de alguna caída, pero a estas alturas son sólo anécdotas.

Dentro de su filmografía recomiendo ED WOOD (sobre el "peor" director de cine gringo), EL JOVEN MANOS DE TIJERA, SLEEPY HOLLOW, BIG FISH Y LA NOVIA DEL CADÁVER, una lista en la que destaca su colaboración con el actor Johnny Depp, un transformista, un actor de categoría que se ha tornado un cimiento importante dentro del cine de Burton.

Sweeney Todd es un musical de Broadway (obra de Stephen Sondheim), sí lo han leído bien, un musical que durante muchos años ha permanecido en cartelera con el brío que le da esta historia terrorífica, llena de dramatismo y con sutiles toques de ironía. Es por ello que además de una excelente historia posee un peso muy bien manejado. Los temas remarcan el drama de los personajes pero nunca sobrepasan la esencia del relato. Es aquí donde Burton da muestra de un talento aun potente. Del estilo visual hay que resaltar la fotografía gótica y decadente, muy lúgubre que pasa a ser una protagonista destacada. Cada personaje aporta lo suyo, ninguno sobra... todos esconden el lado oscuro y lo desbordan sin pudores... Depp esta magnífico en el rol de Sweeney Todd, multifacético, fuerte, expresivo, empático... es un deleite verlo en pantalla, así como a Helena Bonham Carter, quien se roba la peli en su rol de Lovett, la dueña de un boliche donde se venden empanadas hechas de carne humana (los finados que vienen del segundo piso o sea de la barbería), personalidad fuerte, impulsiva y simplona. En serio, ningún personaje afloja ni siquiera en el canto, un equilibrio maestro. A esto debemos agregar el gore explícito y tenemos un cuadro como hace mucho no nos ofrecía Burton, puesto que su última gran película había sido Sleepy Hollow (con la que tiene gran conexión estética).

Para resumir, un barbero (Depp) es acusado por un inescrupuloso juez de un delito que no cometió con el objeto de apoderarse de su esposa e hija. Tras 15 años, el barbero regresa a Inglaterra y deja la grande en complicidad de la astuta Lovett. En el camino se entera que su esposa se había suicidado con veneno y decide vengarse y recuperar a su adolescente hija. Con este material es con el que Burton diseña una película magnética, melancólica, morbosamente atractiva, que indaga sobre lo que llamamos venganza dentro de una sociedad estructurada para reprimir cualquier acto o sensación bestial e instintiva... ¿dónde está lo malo? ¿existe una verdad en cuanto parámetros sociales? ¿es posible tornar invisible nuestra propia naturaleza?... sin duda que el hombre no es sólo razón, aunque quiera mentirse y creer que la vida es una suma de sistemas lógicos... la vida es un reflejo de la muerte y por eso esta peli desató todo un torbellino de emociones internas en mi mente.

UN CLÁSICO TOTAL DENTRO DEL CINE FANTÁSTICO MUNDIAL Y DE LA FILMOGRAFÍA DE TIM BURTON...

¿A QUIÉN NO LE GUSTARÍA SER SWEENEY TODD POR UN DÍA?

EL REY DE LA MONTAÑA (Gonzalo López Gallego, 2007)

EL REY DE LA MONTAÑA

AÑO: 2007

PAÍS: ESPAÑA

DIRECCIÓN: GONZALO LÓPEZ GALLEGO

PRODUCCIÓN: GOODFELLAS/ BANDO/ TELECINCO

PROTAGONISTAS: LEONARDO SBARAGLIA, MARIA VALVERDE, PABLO MENASANCH, FRANCISCO OLMO.

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ARGUMENTO:

Un hombre viaja por una carretera solitaria para encontrarse con su novia, cuando tras un hecho insólito, en una gasolinería, conoce a una misteriosa mujer que más tarde será personaje clave en la historia. Sin un sentido de orientación, el tipo se pierde en medio de caminos y bosques, siendo presa fácil de un tirador asesino que lo persigue, sin causa aparente, para matarlo.

COMENTARIO:

Desde hace más menos una década, España está acostumbrada a parir estas películas de corte thriller-fantástico que resultan un éxito y cuyos derechos, más tarde, son adquiridos por alguna productora norteamericana que con grandes recursos técnicos y destacados actores conforman taquillazos a nivel mundial. Así tenemos lo que sucedió con ABRE LOS OJOS, EL ORFANATO, REC Y proximamente EL REY DE LA MONTAÑA (estrenada hace un par de meses), por nombrar algunos ejemplos.

Ya sé, estamos bombardeados por productos refritos que basan sus argumentos en obras no sólo venidas de España, sino que de diversos países de Europa, América y particularmente del continente asiático. Ahora bien, en la mayoría de los casos, estos filmes son bastante más mediocres que el original o toman una buena historia y la destruyen con sus adaptaciones plagadas de estrellas y tecnología. Es así, como me encontré con esta película recién estrenada en Europa (PRONTO REMAKE GRINGO) y que, seguro, llegará pronto a Sudamérica, con buenos antecedentes en taquilla y crítica. Pero la verdad, es que EL REY DE LA MONTAÑA es una peli soporífera... un resultado malo de un buen esfuerzo, eso se nota durante todo el largometraje. Su director López Gallego (NÓMADAS Y SOBRE EL ARCO IRIS) tiene un curriculum bastante bueno, sus dos pelis anteriores habían tenido excelente recepción, sobre todo NÓMADAS que fue premiada como la mejor película extranjera en el Festival de Cine Independiente de Nueva York. Entonces, ¿qué sucedió con su tercer obra?... el abrirse a un horizonte más comercial parece que lo nublo porque el resultado es bastante deficiente, donde la película no cuaja nunca y la calidad actoral (sobre todo de Sbaraglia) deja mucho que desear...

La estructura del film es de un thriller fantástico con intensidad dramática, que hable sobre el temor paralizante producto de la soledad e incomunicación, o por lo menos eso intentó su director, ya que si miramos la historia en el papel es buena y hasta interesante, pero López Gallego transformó este potencial en una película sin tensión, plana, con un final, que les juro, lo pude adivinar a la mitad del metraje (salvo detalles claro). El actor principal prefiero ni nombrarlo ya que me produjo asco su performance; la actriz la había visto en otra película de la cual no me pude acordar su nombre (MELISSA P.), donde se mostraba más interesante y se confirmaba como una profesional de cierto nivel. Ella es lo mejor de la película, bella e impregnando a su personaje de cierto salvajismo visual que sobrepasa la caracterización del libreto. Cuando ella toma las riendas se respiran los mejores pasajes del film.

El tipo que se pierde en una carretera y que luego es acechado por un desconocido que le dispara dentro de un bosque... no sé... no hay suspenso, inclusive el guión presenta cabos sueltos y tambalea por su aletargamiento y la ridiculez con que se encaran algunas escenas... hasta la edición es demasiado lenta para una película con sus pretensiones, pero que más da, si ahora toda la basura es vendible...es por ello que el buen cine se confunde con estos acartonados engendros...ni siquiera la dirección de López Gallego, que trata y trata, se salva, ya que mete entremedio de los momentos justos para generar y transmitir tensión, planos cerrados, sobre todo del protagonista, que develan aun más el escaso talento del actor y no suman a la progresión de la historia, más bien la entrampan...

En definitiva: DECEPCIONANTE......

ABRE LOS OJOS (Alejandro Amenábar, 1997)

ABRE LOS OJOS

AÑO: 1997

PAÍS: ESPAÑA

DIRECCIÓN: ALEJANDRO AMENÁBAR

PRODUCCIÓN: LAS PRODUCCIONES DEL ESCORPIÓN (MADRID)

PROTAGONISTAS: EDUARDO NORIEGA, FELE MARTÍNEZ, PENÉLOPE CRUZ, NAJWA NIMRI, CHETE LARA.

ARGUMENTO:

Un joven millonario, obsesivo por las mujeres, conoce a la "mujer de su vida" en su fiesta de cumpleaños, sin preveer que su vicio le traerá mortales consecuencias a su nueva relación.

COMENTARIO:

Esta película es una de las más importantes de mi vida. Así de categórico. Desde que la vi por primera vez allá por 1998 se transformó en un pedazo importante de mi placer por el cine. Pero vamos, no estoy diciendo que sea una OBRA MAESTRA, pero lo que me hace sentir se acerca a ello.

Su director Alejandro Amenábar estrenó este film tras debutar con TESIS en 1995, una película de suspenso manejada con mucha agudeza sobre la base de un guión efectista pero algo flojo en cuanto a la crudeza que pudo transmitir en pantalla con un tema como el "SNUFF". No digo que todo fuera explícito, sino que hay ocasiones en que la dirección es tan potente con momentos tan bien logrados donde convergen las actuaciones, la fotografía, parlamentos geniales, música sugerente, que basta aplicar la inteligencia y astucia para aprovechar al máximo el material.

Volviendo a ABRE LOS OJOS, debo señalar que esta segunda obra es un paso adelante. Amenábar fija su mirada en una historia plagada de vuelcos, donde el vacío que produce la no certeza de la vida es manejada con talento. Primero me centraré en el argumento: un tipo (César) millonario, vividor y mujeriego, conoce a una joven "diferente" (Sofía) en su propia fiesta de cumpleaños, ya que su amigo del alma (Pelayo) la había invitado. El amor es a primera vista y es aquí donde César baja la guardia y se deja seducir pór la ternura de Sofía. Tras la fiesta la acompaña a su casa y pasan toda la noche; hablan de sus vidas y se besan... Cuando César abandona la casa de Sofía, se da cuenta que abajo lo esperaba Nuria, una vividora que no acepta un NO por respuesta. Es convencido por ella (sexo, que más) para pasar la tarde juntos, pero lo que no sabía César es que Nuria tenía preparado otros planes...

Fin de la historia, o principio de la realidad... lo que viene es el juego entre la vida real y los sueños, entre la vida sensorial y la muerte como una silueta que nos espera en cada esquina... Con sinceridad, ABRE LOS OJOS me impresiona por esa parte, más que por el desarrollo del guión, por los temas que plantea... la sensación de no volver a ver a los seres queridos, a darse cuenta que todo es una mentira, que la vida es una macabra broma, que hay preguntas que jamás tendrán solución... esa es la esencia que me hechizó... y es por lo que la recomiendo, la identificación con el personaje principal es tal, que se derrama todo el rollo existencial sobre el espectador. Ahora, técnicamente igual está bien, es entretenida, un tanto revuelta pero hay que entregarse a la historia y a las escenas, algunas muy logradas, sobre todo en la primera mitad y sobre el final. La música es genial (obra de Amenábar), la dirección de arte y fotografía de muy alto nivel, las actuaciones principales correctas y bien ensambladas.

Lástima que con los años, Amenábar se haya transformado en un director mecanizado y óptimo. LOS OTROS (floja y mediocre) y MAR ADENTRO (drama fuerte pero denso y carente de ritmo en ocasiones) lo confirman. Espero que con el tiempo cambie, por ahora me quedo con sus primeras obras y sobre todo con la temática de ABRE LOS OJOS. Incluso los gringos hicieron un remake con Penélope Cruz en su mismo rol, pero sin la construcción visual del español.

BUEN CINE FANTÁSTICO... Y GRANDES SENSACIONES EXISTENCIALES...

¿SERÁ LA VIDA UN PURO EJERCICIO RACIONAL?

NECROPHAGUS (Miguel Madrid, 1971)

NECROPHAGUS (EL DESCUARTIZADOR DE BINBROOCK)

AÑO: 1971

PAÍS: ESPAÑA

DIRECCIÓN: MIGUEL MADRID

PRODUCCIÓN: ANTONIO RECODER

PROTAGONISTAS: BILL CURRAN, CATHERINE ELLISON, FRANK BRAÑA, MARÍA PAZ MADRID.

ARGUMENTO:

Un hombre vuelve a su casa después de enterarse de la muerte de su esposa. En la investigación descubre que su hermano, un cientifico "loco", se ha prestado como conejillo de indias para un experimento que lo transforma en una criatura deforme con necesidad de alimentarse de carne humana para poder vivir.

COMENTARIO:

Estamos en presencia de una horrible película de terror. El director de este bodrio, Miguel Madrid (EL ASESINO DE LAS MUÑECAS), seguro que no fue uno de los grandes representantes del cine fantástico de terror español de aquella época. Su propuesta es asquerosamente infumable, como director es limitado y no posee ni el más básico manejo de recursos argumentales, así como tampoco el talento necesario para impregnar una película de terror de escenas y personajes golpeadores e inolvidables.

El filme versa sobre un hombre que vuelve a Escocia a investigar la muerte de su esposa ocurrida en extrañas circunstancias. No tardará en darse cuenta de la existencia de un monstruo (su hermano) quien al someterse a un experimento para la transmutación de las células humanas, se convierte en una criatura nada de inquietante y más bien, ridícula (el maquillaje está para los disfraces de niños en Halloween). En torno a esto, se desatarán los líos entre la familia del sujeto y la familia de la mujer, con aburridos flashbacks erótico-amorosos que confunden la trama y pisotean aun más la pobre película. El guión es débil, sin sorpresas, las actuaciones poco convincentes y sobreactuadas, nada de suspenso y gore, no existe historia sólida, lo que convierte el largometraje en aburrido y desechable.

FAVOR ABSTENERSE VERLA... UN ENGENDRO MALÍSIMO que no debió ver nunca la luz... IDEAL PARA RECOMENDARLA AL PEOR ENEMIGO, YA QUE ES UNA BOMBA QUE SI NO LO MATA, LE QUITA MINUTOS DE VIDA...

CADA VER ES (Angel García del Val, 1981)

CADA VER ES

AÑO: 1981

PAÍS: ESPAÑA

DIRECCIÓN: ANGEL GARCÍA DEL VAL

PRODUCCIÓN: CINEMAGICO

PROTAGONISTAS: JUAN ESPADA

ARGUMENTO:

Un maduro trabajador de la Facultad de Medicina de la Universidad de Valencia, que se dedica al cuidado y mantención de los cadáveres que son objeto de estudio de los alumnos, relata su vida y su cercanía con la muerte a través de su oficio.

COMENTARIO:

Estamos presente frente a una de las películas más jugadas del cine español de principios de los ochenta. Primero por tratar a fondo la temática de la muerte a través de la visión de un cuidador de muertos (Juan Espada), quien despliega sus reflexiones sobre este tema y la estrecha relación con la soledad de los seres humanos, segundo, por crear un submundo de vida en la muerte, mientras se van sucediendo imágenes de cadáveres en completo deterioro y tercero por plasmar en el rostro del espectador, el valor real del orgullo y del mundo material que nos rodea.

Este hallazgo del cineasta Angel García del Val, quien siempre se ha mantenido de bajo perfil y más bien subterráneo, es una obra filmada en estructura de documental que habla derechamente sobre la muerte, como el gran tema que todos rehuimos y que es el detonante de nuestros miedos y traumas, muchos de los cuales son capaces de llevarnos a la "locura invisible" (al comienzo se observan planos filmados en un psiquiátrico, donde los rostros, las expresiones y las acciones de sus protagonistas lo dicen todo).

El protagonista, Juan Espada es un hombre sencillo, que no duda en plantear su propia vida como ejemplo para reflexionar sobre este sensible tema. El tipo es un "cuidador de muertos", desde bebes hasta ancianos, los que permanecen en un estado de hibernación en fosas de líquido a temperatura bajo cero y que desfilan por la pantalla como simples títeres de este sujeto que toma su trabajo con la máxima naturalidad del mundo. Cuenta su vida en soledad y se transforma en un muerto más cuando observa a los estudiantes pasar por fuera. Dice "yo no le tengo miedo a los muertos, estos no hacen nada... sólo una vez cuando tuve que bajar un cuerpo por el ascensor que es bien estrecho, agarrándolo con fuerza, lo sentí... ya que luego de horas de fallecido, despidió un suspiro que me mantuvo alejado del subterráneo por todo el día".

El filme técnicamente es muy artesanal, no posee más argumento que la muerte como eje. algunas tomas y escenas están de más, podría haberse reducido a una hora y habría quedado más compacto y menos denso. No tiene un ritmo argumental atractivo, sólo se coloca "interesante" a partir de los 45 minutos en adelante, cuando se ve, gráficamente, su estrecha relación con los muertos al son de temas musicales de compositores destacados, por ejemplo, un tema que compuso Bernard Hermann para una de mis pelis favoritas "VERTIGO".

Lo que rescato es atreverse con el tema, dejar de lado esas estupideces del más allá, de la vida después de la vida y de almas vagando en el universo... aquí los seres humanos se enfrentan a su reflejo, a lo que queda, a lo que son... ni más ni menos que cualquier ser vivo... sin trascendencia salvo en el recuerdo... para algunos resultará crudo, certero y real, para otros quizá una experiencia imposible de ver... les prometo que no es una buena película, sólo la intención la salva de la mediocridad, pero aplaudo la osadía del director en ingresar a una espiral que no tiene nada de romántico y sentimental... sin duda, la muerte es la vida misma, encajonada, sin sentido, llena de un vacío angustiante y claustrofóbica al extremo...

LA RECOMIENDO A LOS QUE ABRAZAN LA VIDA COMO UN TESORO MATERIAL Y ESPIRITUAL... CON MÁS DE UN "PERSONAJE" SE IDENTIFICARÁN...

LA VIDA ES VIDA CUANDO TE DESPOJAS, COMO LOS CADÁVERES, NO CUANDO TE CUELGAS UN ADORNO TRAS OTRO...

LOS EXTRAÑOS (Bryan Bertino, 2008)

LOS EXTRAÑOS

AÑO: 2008

PAÍS: ESTADOS UNIDOS

DIRECCIÓN: BRYAN BERTINO

PRODUCCIÓN: DOUG DAVISON, NATHAN KAHANE, ROY LEE

PROTAGONISTAS: LIV TYLER, SCOTT SPEEDMAN, GEMMA WARD, KIP WEEKS, LAURA MARGOLIS.

ARGUMENTO:

Una joven pareja, tras asistir al matrimonio de una amiga, deciden pasar la noche juntos en una casa que ambos tienen en medio de un paraje desolado, rodeados de árboles y una carretera solitaria.

COMENTARIO:

Con 31 años a cuestas, el joven director Bryan Bertino, de pasado maquinista de películas de bajo presupuesto, nos entrega este film basado en un guión propio y estructurado de manera sobria, como una historia simple y creíble aunque con tintes fantásticos. La película trata sobra lo que le ocurre a una pareja que luego de asistir al matrimonio de una amiga decide pasar la noche en una casa alejada del entorno urbano. Este hecho es una metáfora a la relación que ambos mantienen, ya que en detalles se puede percibir que no están bien, aun cuando se quieren...

Ese el punto de partida; recuerdos, miradas, palabras, frases... todo un adorno de la situación silenciosa que se extiende por 30 minutos del metraje. Después viene la irrupción de tres personajes oscuros(dos mujeres y un hombre), cubiertos con máscaras inexpresivas muy coloridas e inocentes (menos el hombre que posee un saco en la cabeza). Comienzan llamando a la puerta, como buscando a alguien, luego golpes violentos, ruidos y apariciones fantasmales en los alrededores de la casa. Es aquí, cuando la pareja se ve envuelta en un torbellino de terror al verse vulnerables a estos tres seres que no buscan nada más que trastornarlos y asesinarlos con mucha brutalidad.

La película se desliza por esta columna vertebral hasta acabar en un final previsible y sin ninguna chispa (eso si que deja la puerta abierta a una segunda parte). Se nota que este director es nuevo y todavía debe buscar el puso exacto para crear estilo propio. El suspenso es pobre y recurre a cliches ya rebuscados (gritos, apariciones de golpe, persecusiones) y como ese que dice "BASADO EN HECHOS REALES". Su dirección no tiene ningún elemento innovador o jugado, las actuaciones están bien (sobre todo la estupenda Liv Tyler) pero no logran salvar una película que muy pronto estará en el baúl de las pelis del montón. Debo reconocer que la puesta en escena es sólo suficiente en cuanto aspectos técnicos, pero demasiado plana... a mi personalmente no me causó nigún sobresalto, ya estoy hasta el copete de estas películas que recurren a las fórmulas de terror... para mi el terror como género debe ser amplio, sin recetas... con historias abiertas, personajes atractivos y en constante evolución, ritmo acorde con las escenas, música destacada, en fin, cosas que no vi en esta película que tampoco está tan tirada, pero la recomiendo para quienes quieren pasar el rato, sin exigir demasiado, e incluso reír con algunos momentos que rayan en lo estúpido (el guión tiene algunos baches insalvables).

El final previsible desde el minuto uno, coronó 85 minutos de preguntarme ¿con qué me quito el mal sabor de boca?...

MALA SIN VUELTAS...

LA SEMANA DEL ASESINO (Eloy de la Iglesia, 1972)

LA SEMANA DEL ASESINO

AÑO: 1972

PAÍS: ESPAÑA

DIRECCIÓN: ELOY DE LA IGLESIA

PRODUCCIÓN: JOSÉ TRUCHADO, VICENTE PARRA

PROTAGONISTAS: VICENTE PARRA, EUSEBIO PONCELA, EMMA COHEN, CHARLY BRAVO, VICKY LAGOS.

ARGUMENTO:

Un maduro trabajador de un matadero en España se transforma en asesino por accidente y, durante una semana, este hecho le traerá consigo una seguidilla de muertes, que se irán sucediendo conforme vaya agudizándose su mundo interior.

COMENTARIO:

Debo decir que cuando comencé a ver esta película no me había hecho muchas espectativas. Quizá porque lo poco que sabía de su director Eloy de la Iglesia, era que había sido un director "polémico" y que su obra estaba impregnada de ese adjetivo. A mi sorpresa, me encontré con un tipo que supo personificar muy bien en pantalla, lo que ocurría con sus ideas de la vida, en lo que respecta a su visión de los seres humanos y el mundo. Es por ello, que LA SEMANA DEL ASESINO es un film particular, personal y jugado, aunque en su momento (por el marcado acento contestatario y de denuncia) fue perseguida y despreciada (hasta sufrió cortes de censura). Entre los temas esenciales que de la Iglesia deslizó en el celuloide, está el espíritu rebelde en contra del sistema establecido (y bien sabemos lo que ocurría en España en esos momentos con la dictadura de Franco), la sexualidad y sus ocultas derivaciones, la droga y todo aquello que resulta ingrediente de lo marginal. Creo que viendo LA SEMANA DEL ASESINO con detención, se pueden encontrar muchos aspectos obsesivos que lo distinguían como director, pero además la forma de presentarlos hace que su obra sea interesante y cuanto menos, digna de verse.

La historia de Marcos (el obrero de un matadero) es la historia de muchos españoles que sobrevivieron durante la dictadura de Franco y que vieron como un país les iba despojando de lo más preciado de cualquier persona, SU DIGNIDAD Y SUS DESEOS ÍNTIMOS DE FLUIR CON TOLERANCIA. Este hombre trabaja día a día en el lugar antes mencionado, realizando una labor rutinaria que se transforma en un elemento que se va haciendo perjudicial para su sanidad mental. A Marcos le da lo mismo que lo "asciendan" en el trabajo al otorgarle la conducción de una máquina procesadora de carne de último modelo. Su jefe, un patético hombre con atrofia mental atroz, le comunica el hecho y lo felicita; Marcos inexpresivo asiente...

Para completar el mapa de Marcos, debo señalar que es un hombre solitario que vive en una "mediagua" en medio de un desolador paraje y además mantiene una relación clandestina con una joven mujer que pertenece a una familia de mayor nivel socioeconómico. Su única "distracción" se la proporciona un boliche donde concurre a diario a comer, en especial por la estrecha amistad que comparte con la mesera del lugar. Como contraparte, Marcos tiene un hermano, que conduce camiones, cuyo presente se ve algo más estable: trabajo, amor y futuro casorio. Es en este habitat decandente, donde a nadie parece importar algo y por ende, no hacen nada o no se les permite hacer nada, que Marcos fragua, paulatinamente, un vacío mental que lo lleva a matar a quien se coloque por delante y siempre que se vuelva una amenaza ante la posibilidad latente de caer a la cárcel por los asesinatos.

La película se estructura en una semana, donde cada relación y tema antes escrito, se irá decantando en un espiral enfermizo de muertes diarias, apiladas en una habitación de su casa. El olor a putrefacción y el sonido de una anónima mosca volando entre los cadáveres, será la daga que punzará en la mente de Marcos hasta hacerlo colapzar.

Hay un personaje que deambula por la película que, con el correr de los minutos, va tomando protagonismo y es un vecino de Marcos. De alguna manera hay una conexión entre ellos, también es un tipo solitario, oscuro, desorientado y rebelde a su manera... sus conversaciones existenciales son desahogos mutuos como cuando Marcos le dice "NO HAY NADA QUE DE MÁS FUERZA QUE EL HAMBRE"... en relación a una posible pelea entre el perro fino de su vecino y perros callejeros... una metáfora deliciosa... la verdad es que LA SEMANA DEL ASESINO está plagada de instantes orgásmicos como ese, como cuando su cuñada va a su casa en busca de su hermano (futuro marido) y le insiste para entrar en la habitación, suponiendo que estaría ahí... ante la negativa inicial de Marcos, ella finge un dolor de cabeza y le pide una aspirina (situación que le daría tiempo para entrar), él se da cuenta y con el rostro lleno de dolor y resignación le dice "¿EN SERIO QUIERES UNA ASPIRINA?... amigos lectores, esta escena es una joya que para mi reemplazaría cualquier otra situación placentera... es así, lo digo del corazón, para mi el cine, el buen cine es el ÚNICO AMOR DE MI VIDA... como decía Francois Truffart "el que ama el cine, ama la vida..." sin comentarios.

Volviendo a la peli, tenemos a un asesino que parte matando a un pobre chofer de taxi en medio de una discusión, luego continúa con todos aquellos que amenacen encontrar las víctimas de su matadero personal. MARCOS es un ser humano que ha bajado los brazos, rebelde pero temeroso, ya no se siente participe de este mundo... "ENTIERRA LOS RECUERDOS"... le enrrostra su vecino... ¿será con intención delatora?... otro momento genial es cuando concurre el padre de la mujer que se iba a casar con su hermano y también insiste en ingresar a la habitación... "PASE AL CUARTO, HABER SI ASÍ SE TRANQUILIZA..." le argumenta Marcos...

Las muertes son potentes no tanto por lo gráficas, sino por lo que las rodea, por el clima que se respira, por la progresiva perdida del protagonista... LA SEMANA DEL ASESINO es una obra de culto muy buena, con un climax (cuando el vecino le cuenta que está escribiendo un guión cinematográfico y Marcos al sentirse descubierto, tiene una reacción que se encuentra con más de una sorpresa) de lujo, pero un final que a más de uno dejará decepcionado... si acaso el final es lo más pobre de la película, un tanto antojadizo y débil... pero que trás degustar la peli entera, igual deja un sabor de boca delicioso...

ELOY DE LA IGLESIA me sorprendió gratamente...UNA PELÍCULA HUMANA, CON DRAMA Y TOQUES DE HUMOR, QUE DEJA QUE PENSAR ¿QUÉ TAN REBELDE SOY?, ¿O SERÁ QUE ME TRAGO TODA LA PORQUERÍA QUE ME DEN, SIN UN SENTIDO CRÍTICO?

GRACIAS POR REAFIRMAR LAS DUDAS ELOY...